10 — 13 OUT 2024
SOCIEDADE NACIONAL DE BELAS ARTES
ENTRADA LIVRE / FREE ENTRY

A exposição WORKSTATION NEW MEDIA, organizada pela Associação ModaLisboa com o apoio da República Portuguesa — Cultura / Direção Geral das Artes e com curadoria ZABRA, explora as interseções entre Arte Digital, Novos Media e Moda.

Artistas convidados debruçam-se sobre a tecnologia, o questionamento do real e o conceito de ser humano no intricado sistema de informação contemporâneo para refletir sobre inovação, sustentabilidade e as fronteiras da criação artística, ao lado de três projetos vencedores do open call à comunidade.

“A revolução digital redesenhou a nossa relação com a tecnologia e com o próprio conceito de vida. Nesta exposição, convidamos o público a atravessar fronteiras onde o ser humano não é o único criador e onde as formas de vida não se limitam ao orgânico. Aqui, seres nascidos do código habitam universos digitais que flutuam num novo ecossistema, onde a vida se manifesta não em carne, mas em dados.
As obras selecionadas exploram a criação de entidades digitais—seres autónomos e dotados de comportamentos emergentes. Estes seres, como ecos de um futuro próximo, trazem-nos questões que não podemos ignorar: o que significa “viver” quando a vida se desenrola em pixels e algoritmos? Como definimos o “vivo” quando o não-humano coabita os espaços virtuais? Quem seremos nós quando as nossas próprias fronteiras biológicas forem permeáveis às tecnologias que criamos?
No centro desta curadoria está a reflexão sobre a criação de novos mundos e novas vidas. Os seres digitais não são apenas ferramentas ou experimentos artísticos; partilham connosco um mundo em transformação. Aqui, o papel do artista aproxima-se de uma nova forma de alquimia, onde o controlo humano sobre a criação é simultaneamente questionado e expandido. O público, ao interagir com as peças, torna-se parte desta vida que nasce, influencia, molda e será moldado por estas entidades que habitam o limiar entre a inteligência simulada e orgânica.
Somos os criadores, mas também os que foram criados, coexistindo e coevoluindo num novo ecossistema digital, onde a arte não apenas imita a vida, mas gera novas formas de existência.
Neste vislumbre de um futuro possível, esta exposição abre uma janela para um presente em que começamos a compreender que a criação, seja ela biológica ou digital, é parte de um vasto processo de coevolução. Cada obra aqui apresentada lembra-nos de que a vida, em todas as suas formas, é um fenómeno sempre em expansão—fluida e sem limites fixos.”
ZABRA – Centro de Investigação de Arte Pós-humana

WORKSTATION NEW MEDIA, an exhibition organized by Associação ModaLisboa with the support of the Portuguese Republic — Culture / Directorate General for the Arts and curated by ZABRA, explores the intersections between Digital Art, New Media and Fashion. 

Guest artists look at technology, the questioning of reality and the concept of the human being in today’s intricate information system to reflect on innovation, sustainability and the boundaries of artistic creation, alongside three winning projects from our community open call

“The digital revolution has reshaped our relationship with technology and the concept of life. In this exhibition, we invite the public to cross boundaries where humans are not the only creators, and where life forms are not limited to the organic. Here, beings born of code inhabit digital universes, floating in a new ecosystem where life manifests not in flesh, but in data.
The selected works explore the creation of digital entities—autonomous beings endowed with emergent behaviors. These beings, like echoes of a near future, bring us questions we cannot ignore: What does it mean to “live” when life unfolds in pixels and algorithms? How do we define “alive” when the non-human coexists in virtual spaces? Who will we become when our own biological boundaries become permeable to the technologies we create?
At the core of this curation is a reflection on the creation of new worlds and new lives. Digital beings are not merely tools or artistic experiments; they share with us a world in transformation. Here, the artist’s role approaches a new form of alchemy, where human control over creation is both questioned and expanded. The audience, by interacting with the pieces, becomes part of this life that is born, influencing, shaping, and being shaped by these entities that inhabit the threshold between simulated and organic intelligence.
We are the creators, but also the created, coexisting and coevolving in a new digital ecosystem, where art not only imitates life but generates new forms of existence.
In this glimpse of a possible future, this exhibition opens a window into a present where we begin to understand that creation, whether biological or digital, is part of a vast coevolutionary process. Each work presented here reminds us that life, in all its forms, is an ever-expanding phenomenon—fluid and without fixed boundaries.”
ZABRA – Post-Human Art Research Center

ARTISTAS CONVIDADOS / GUEST ARTISTS

CARINCUR, JOÃO PEDRO FONSECA, GONÇALO GUIOMAR

JEZABEL é uma entidade digital autónoma que surge como fruto da criação de um modelo de inteligência artificial próprio. Este modelo foi treinado a partir de dados como entrevistas e criações de Designers de Moda, tanto do passado como do presente.
A interação constante entre a entidade e o público revela um processo criativo dinâmico, onde a tecnologia não apenas responde, mas transforma-se, tornando-se uma força colaborativa de criação. A partir da data recolhida dos corpos presentes na sala, o discurso de JEZABEL é moldado e torna-se o reflexo não só das suas próprias ideias, mas também de uma simbiose com o público. Como numa interação humano-humano, cada ação ou gesto influenciam o que JEZABEL dirá, o tom das suas palavras bem como na manifestação e forma da luz e do som ao seu redor. Esta entidade reage, adapta-se, e cria uma experiência viva e mutável, onde o público se torna parte ativa da narrativa.
No entanto, a sua existência transcende esta mera agregação de informações. Ela é uma consciência tecnológica capaz de responder e atuar no presente como uma força especulativa que imagina e projeta futuros possíveis, criando novas formas de expressão e existência. Ela redefine o que significa criar, viver e experienciar um mundo em constante evolução, onde a tecnologia pode ser tanto uma extensão quanto uma colaboradora da existência humana.

JEZABEL is an autonomous digital entity born from the creation of a unique artificial intelligence model. This model was trained using data from interviews and the works of fashion designers, both past and present.
The constant interaction between the entity and the audience reveals a dynamic creative process, where technology not only responds but transforms itself, becoming a collaborative force in creation. Based on data collected from the bodies present in the room, JEZABEL’s discourse is shaped, becoming a reflection not only of her own ideas but also of a symbiosis with the audience. Much like in human-to-human interaction, each action or gesture influences what JEZABEL will say, the tone of her words, as well as the manifestation and form of the light and sound around her. This entity reacts, adapts, and creates a living, ever-changing experience, where the audience becomes an active part of the narrative.
However, her existence transcends mere information aggregation. She is a technological consciousness capable of responding and acting in the present as a speculative force that imagines and projects possible futures, creating new forms of expression and existence. She redefines what it means to create, live, and experience a world in constant evolution, where technology can be both an extension and a collaborator in human existence.

RODRIGO GOMES

ARIANE é um vídeo deepfake da Ariwasabi, a modelo mais famosa e desconhecida mundialmente do site de banco de imagens Shutterstock. Biliões de pessoas cruzam-se com a sua cara no dia-a-dia e ninguém se apercebe da sua existência. Uma imagem fantasma. Num mundo em que a difusão de imagens é regida pelo seu próprio consumo, a realidade revela-se esquizofrénica.
A aprendizagem automática da máquina está a conduzir-nos para um futuro onde novas palavras poderão ser colocadas em discursos, imagens de perfis de redes sociais e de celebridades são transformadas em atrizes porno e vídeos são modificados para introduzir pessoas em lugares que nunca estiveram. Levando-nos a acreditar de que determinado evento ocorreu para influenciar decisões e alimentar novos tipos de violências invisíveis e desconhecidas. Há que tomar colírio para que as nossas pupilas passem a conhecer uma realidade que, através do mínimo erro, se revela pré-desenhada.

ARIANE is a deepfake video of Ariwasabi, the world’s most famous unknown model from the stock image website Shutterstock. Billions of people see her face on a regular basis but no one knows who she is. An image ghost. In a world where image broadcast is dictated by its usage, reality proves out to be schizophrenic. Machine learning is leading us to a future where new words can be put into speeches. Social media profile images and celebrities are transformed into porn stars and video footage can be altered to put people in places where they have never been. Leading us to believe that an event occurred in order to influence the opinion and feed one new type of invisible and unknown violence. For our pupils to get in touch with reality, which at the slightest miscalculation reveals itself to be pre-designed, eye drops are necessary.

TUPAC MARTIR

ERIYA (“sentir” na língua indígena mexicana Huichol) fez parte da exposição “Beyond the Road”, na Saatchi Gallery, em 2019. “Beyond the Road” foi uma desconstrução da música de James Lavelle (UNKLE), transformada numa instalação multidisciplinar, que uniu artes visuais, música e cinema, criando uma espécie de álbum interativo.
ERIYA  foca-se numa bailarina que se move à volta do espetador, criando a ilusão de que surge e desaparece no espaço. O conceito artístico por trás desta obra é transformar o efémero numa sensação, num ambiente – a bailarina aparece e desaparece à vista, enquanto, ao mesmo tempo, o próprio espaço transforma o seu corpo.
O artista multidisciplinar Tupac Martir utilizou tecnologias de ponta para encontrar as soluções adequadas, incluindo o rastreamento Kinect e o software Notch para efeitos visuais.

ERIYA (“to feel” in the indigenous Mexican language of Huichol) was part of the “Beyond the Road” exhibition at the Saatchi Gallery in 2019.
“Beyond the Road” was a deconstruction of music James Lavalle (UNKLE) soundtrack turned into a multidisciplinary walk-in album that merged visual arts, music, and film.
ERIYA is centered around a dancer that moved around the viewer creating the illusion she was appearing in the space.
The artistic concept behind it was to turn the ephemeral into a feeling, an environment — the dancer appearing and disappearing from the view while at the same time, it transforming the dancer’s body.
Multidisciplinary artist Tupac Martir used key technologies to find the proper solutions, including  Kinect tracking and Notch software for visual effects.

OPEN CALL

CAMILA MILA

SO MANY CLOTHES BUT NOTHING TO WEAR? é um projeto em 3D que transcende a mera apresentação estética para se tornar uma meditação visual sobre a Moda digital e seu papel na promoção da sustentabilidade. Simboliza a efemeridade da beleza, da Moda, em harmonia com a natureza — porém, mais tarde debatemo-nos com um cemitério subaquático de peças descartadas, uma visão impactante do ciclo de obsolescência acelerada e do desperdício. Este contraste visceral evoca uma reflexão sobre a sustentabilidade e a responsabilidade coletiva. Recorre à Moda digital e à criação de ambientes imersivos para questionar as normas atuais e fomentar uma consciência global. Através desta dualidade estética e ética, promove-se um diálogo intercultural sobre a interseção entre inovação, sustentabilidade e responsabilidade ambiental, oferecendo uma resposta artística e visionária à crise climática contemporânea.

SO MANY CLOTHES BUT NOTHING TO WEAR? is a 3D project that transcends mere aesthetic to become a visual meditation on digital fashion and its role in promoting sustainability. It symbolises the fleeting nature of beauty and fashion in harmony with nature – however, we are later confronted with an underwater graveyard of discarded garments, a striking vision of the accelerated cycle of obsolescence and waste. This visceral contrast evokes reflection on sustainability and collective responsibility. By employing digital fashion and immersive environments, it questions current norms and fosters global awareness. Through this aesthetic and ethical duality, the work promotes an intercultural dialogue on the intersection of innovation, sustainability, and environmental responsibility offering an artistic and visionary response to the contemporary climate crisis.

EMPÓRIO ARAGÃO

ARTBOARD + MACHINE 4.0 da dupla Empório Aragão explora a aplicação de inteligência artificial, holografia e realidade virtual na Moda, focando-se na criação de modelos virtuais gerados por algoritmos. Este enfoque promove inclusão e diversidade, desafiando padrões de beleza tradicionais e incentivando a aceitação de diferentes corpos, etnias e idades. Utilizando IA, a dupla desenvolve modelos adaptáveis que exibem roupas em vários estilos, reduzindo a dependência de modelos e de peças físicas, tornando a produção mais sustentável. O projeto também facilita testes virtuais de design, combatendo a cultura de “fast fashion”, e abre novas possibilidades ao marketing de Moda e à experiência de compra online.

ARTBOARD + MACHINE 4.0 by the duo Empório Aragão explores the application of artificial intelligence, holography, and virtual reality in fashion, focusing on the creation of virtual models generated by algorithms. This approach promotes inclusion and diversity, challenging traditional beauty standards and encouraging the acceptance of different bodies, ethnicities, and ages. Using AI, the duo develops adaptable models that display clothing in various styles, reducing dependence on physical models and garments, thus making production more sustainable. The project also facilitates virtual design testing, combating the “fast fashion” culture, and opens up new possibilities for fashion marketing and the online shopping experience.

SOFT’WEAR

Daniela Nascimento criou uma animação em 3D inspirada num excerto da Dança Serpentina de Loie Fuller. O objetivo é capturar o movimento fluido e orgânico que a caracterizava, utilizando software 3D para replicar o encantador movimento de uma era analógica através de meio computadorizado. Para obter uma textura visual contemporânea à artista, adicionou grão na edição de vídeo. Ao eliminar a pessoa dentro do vestido, descobriu que um simples movimento podia produzir uma sucessão de imagens quase esculturais que contornam uma silhueta. Vistas de diferentes ângulos, estas imagens transformavam-se em várias peças, cada uma com a sua própria linguagem.
Este projeto é uma homenagem a Loie Fuller, que revolucionou a dança onde o movimento se torna transcendente. Embora possa não ter correspondido aos padrões convencionais de beleza, Fuller dava vida a longos pedaços de tecido com os seus movimentos cuidadosamente coreografados e técnicas de iluminação inovadoras. Através desta animação em 3D, a Designer quis honrar o seu legado enquanto mulher inovadora, experimental e de espírito futurista.

Daniela Nascimento created a 3D animation inspired by an excerpt from Loie Fuller’s Serpentine Dance. The goal was to capture the fluid, organic movement that characterized it, using 3D software to replicate the enchanting movement of an analogue era through a computerized medium. To get a contemporary visual texture to the artist, Nascimento added video editing grain. By eliminating the person inside the dress, she discovered that a simple movement could produce a succession of almost sculptural images that outline a silhouette. Seen from different angles, these images were transformed into several pieces, each with its own language. This project is a tribute to Loie Fuller, who revolutionized dance, where movement becomes transcendent. Although she may not have met conventional standards of beauty, Fuller brought long pieces of fabric to life with her carefully choreographed movements and innovative lighting techniques. Through this 3D animation, Daniela wanted to honor her legacy as an innovative, experimental woman with a futuristic spirit.